Día 10: Brian De Palma

Brian De Palma 

Brian de Palma nació en Nueva Jersey pero pronto se trasladó con su familia a Pennsylvania.

Sus padres, Vivienne De Palma y un cirujano llamado Anthony Fredrick De Palma, se divorciaron a causa de la infidelidad de Anthony.

Los primeros coqueteos con la cámara de Brian fueron al seguir a su padre para intentar pillarlo in fraganti con alguna de sus amantes.

Tras pasar por la facultad de Física en la Universidad de Columbia, Nueva York, en donde participó en un grupo teatral, De Palma estudió cinematografía en el Sarah Lawrence College, centro ubicado también la Gran Manzana. La carrera como director de Brian de Palma comenzó en este período, filmando numerosos cortometrajes en 16mm, como “Icarus” (1960), “Woton’s wake” (1962), “Jennifer” (1964) o “The responsive eye” (1966).

A mediados de década rodó su primer largometraje, la comedia de bajo presupuesto “The wedding party”, película con Robert de Niro que no se estrenó hasta 1969. Un año antes había estrenado “Murder a la mod” (1968) y “Saludos” (1968), comedia satírica protagonizada por Robert de Niro y co-escrita por el productor Charles Hirsch.

El siguiente decenio se inició con “Dionysus” (1970), film co-dirigido por Richard Schechner que estaba basado en una obra de Eurípides, “Hola, mamá” (1970), tercera vez que Brian colaboró con Robert de Niro, su actor fetiche en estos primeros proyectos independientes, y “Get to know your rabbit” (1972), otra de las varias comedias satíricas que De Palma filmó en sus inicios como autor. En esta última ocasión incluso tuvo el honor de dirigir a Orson Welles.

Con “Hermanas” (1973) el director de New Jersey se afianzó como talentoso realizador de estilizados thrillers psicológicos que manifestaban su deuda con el sentido visual y atmosférico de las películas de Alfred Hitchcock (rememorando en varios de sus títulos obras maestras como “La ventana indiscreta”, “Vértigo” o “Psicosis”), empleando además, en esta película protagonizada por Margot Kidder, al compositor habitual de Hitch, Bernard Herrmann.

El virtuosismo en el aspecto visual manifestaba su estilosa realización con continuos movimientos de cámara y el empleo habitual del split screen o el slow motion, incidiendo también en la importancia del montaje como clave en su narrativa.

Después de “El fantasma del paraíso” (1974), una de sus mejores películas con una original y brillante adaptación al ámbito pop del clásico de Gaston Leroux, De Palma alcanzó el éxito popular con “Carrie” (1976), inspirado film basado en el best-seller de Stephen King que contó con el protagonismo de Sissy Spacek, quien fue nominada al Oscar, al igual que su madre de ficción, Piper Laurie.

En 1976 también, con guión de Paul Schrader, filmó “Obsesión” (1976), film con ecos de “Vertigo”.

“La furia” (1978), adaptación de la novela de John Farris, proseguía su senda en el thriller, mientras que la mediocre “Una familia de locos” (1979) era una comedia que le retrotraía a sus inicios como director.

“Vestida para matar” (1980) le devolvió al mundo del suspense, ahora con “Psicosis” como principal inspiración en esta cinta protagonizada por Michael Caine, Angie Dickinson y Nancy Allen, actriz con la que Brian se había casado en 1979. La pareja se divorció en 1983.

Si “Psicosis” fue la inspiración de “Vestida para matar”, “La ventana indiscreta”, “Blow up” de Antonioni y “La conversación” de Coppola lo fueron para “Impacto (Blow Out)” (1981), mientras que “Vértigo” y de nuevo “La ventana indiscreta” lo fueron para “Doble Cuerpo” (1984).

En medio había filmado un remake de “Scarface” de Howard Hawks titulado “El precio del poder” (1983), retornando a la comedia con “Wise Guys” (1986).

“Los intocables de Elliot Ness” (1987), con guión de David Mamet y música de Ennio Morricone, adaptaba la famosa serie de televisión homónima con un reparto estelar, en el que se encontraba Robert de Niro, con quien De Palma volvió a colaborar desde comienzos de la década de los 70. En el film el autor hacía su particular homenaje a Sergei M. Einsenstein.

Los años 80 terminaron con un film bélico, “Corazones de hierro” (1989) y la realización de un videoclip para Bruce Springsteen, “Dancing in the dark”.

“La hoguera de las vanidades” (1990) es una poco lograda adaptación del libro de Tom Wolfe, film continuado por una de sus películas más intrascendentes, el thriller “En nombre de Caín” (1992), título que estaba co-producido por Gale Anne Hurd, con quien Brian, tras su divorcio con Nancy Allen, se había casado en 1991.

“Atrapado por su pasado” (1993), adaptación de la novela Edwin Torres con guión de David Koepp, fue mejor recibida que sus anteriores trabajos, consiguiendo el triunfo comercial al filmar con Tom Cruise la superproducción “Misión Imposible” (1996), basada en la serie televisiva del mismo nombre.

De Palma continuó realizando títulos de alto presupuesto con “Snake Eyes” (1998), ahora con el protagonismo de Nicolas Cage.

Sus últimos films estrenados han sido “Misión a Marte” (2000), título espacial con influencias de Stanley Kubrick, “Femme Fatale” (2002), thriller con el protagonismo de Rebecca Romijn-Stamos y Antonio Banderas, “La dalia negra” (2006), con Scarlett Johansson, Josh Hartnett y Aaron Eckhart, y “Redacted” (2007), drama bélico ambientado en Iraq.

Después de su ruptura con Gale, Brian de Palma se casó en el año 1995 con Darnell de Palma, con quien tuvo a su hija Piper. Se divorciaron en 1997.

Día 9: George A Romero

George A Romero nació  el 4 de febrero de 1940 en el Bronx, Nueva York. Hijo de George Marino Romero, nacido en Cuba, proveniente de una familia de el norte de España y de Ann Dvorsky, descendiente de lituanos.

Cursó estudios de Arte, teatro y diseño en el Instituto Carnegie-Mellon. Interesado en el cine de terror desde niño, realizó una película de 8mm titulada "The Man From the Meteor" en 1954. En el colegio, él y sus amigos formaron la Latent Image, que realizaba creativos comerciales de TV y cortos industriales, así consiguieron dinero suficiente para realizar en 1968, Night of the Living Dead (La Noche de los Muertos Vivientes). Se convirtió en película de culto y las graficas, junto con varias secuencias, se convirtieron en la pauta para algunas películas de terror del futuro.

Posteriormente rodó sin mucho éxito: There's Always Vanilla (1972), Hungry Wives (1973), o Code Name: Trixie (1973). Después produjo una serie de documentales de deportes llamados "The Winners" antes de dirigir Matin (1978) y Dawn of the Dead (1979), secuela de Night of the Living Dead donde mezcla horror y comentarios sociales mientras los zombis atacaban a cuatro personas atrapadas en un Mall. 

Nightriders (1981) fue protagonizada por Ed Harris. En 1982 realiza un show llamado Creepshow (su primera colaboración con Stephen King), después Day of the Dead (1985), Monkey Shines: An Experiment in Fear (1988), y The Facts in the Case of Mr. Valdemar segmento de Two Evil Eyes (1990).

En 1984 introdujo la gran antología de TV "Tales From the Darkside" trabajando como ejecutivo de producción. En 1990 dirige Night of the Living Dead y "The Dark Half (1993)".

Casado con Nancy Romero de 1971 a 1978, con Christine Forrest en 1981 y con Suzanne Desrocher en 2011. Es padre de George Cameron y Tina Romero.

Nacionalizado canadiense en 2009, conserva además la ciudadanía estadounidense. 

Día 8: Amantes del cine y la literatura

Este articulo van dedicado especialmente a los amantes del cine y de la literatura.  Tanto el cine como la literatura son dos hermosas expresiones de arte que bien vale la pena disfrutar. Tanto en el cine como en el arte hay géneros para todos los gustos, y cada uno a su modo tienen su encanto. En esta oportunidad quiero compartir unos consejos que yo misma he aplicado para poder disfrutar de una buena película y de un buen libro. 

Hoy en día muchos creadores cinematográficos están llevando al cine libros, y la gente deja de leer y se conforman con ver la película, pero no siempre es igual. Como había mencionado con anterioridad, cada uno (el cine y la literatura) tienen su encanto, el chiste es dar con esa película que te atrape desde los primeros 5 minutos y con el libro que te atrape desde la primera página. Nunca reemplaces el libro por la película, el libro tiene datos que probablemente el guionista  no introdujo en la película al momento de escribir el libreto. Recuerda que el cine el costoso y si se lleva a la pantalla el libro completo serían por poco 5 o 6 partes de la película que habría que filmar. 

Mis consejos para los "Book Lover" o amantes de la literatura 

1. Existen libros de Ficción y de No-Ficción, tienes que saber elegir qué tipo de literatura te gusta. Infórmate bien todo acerca del libro antes de comprarlo o de pedirlo prestado a la biblioteca. Lee acerca del autor, si es posible busca la sinopsis corta. Es mejor estar preparado. 

2. Hay personas que no leen los prólogos de los libros académicos, yo procuro leerlos, siempre contienen datos que en el desarrollo del libro casi siempre son mencionados. En las novelas yo acostumbro a leer primero el final y si me gusta decido si vale la pena invertirle tiempo al libro (esto es opción tuya) 

3. En el caso de libros de No-Ficción, no te quedes solo con la información que te de el libro, el internet es una excelente herramienta donde podrás encontrar gran cantidad de fuentes que puedes o bien corroborar lo que dice el libro o desmentirlo o dar una visión distinta a la del autor. 

Mis consejos a los amantes del cine

1. Por lo general cuando vamos al cine nos sentimos estafados. Yo en lo particular prefiero leer la sinopsis de la película y ver el trailer para saber si vale la pena pagar la entrada. 

2. Conocer acerca del director del Film es muy apropiado, existen miles de páginas dedicadas al cine en donde está la trayectoria y los comentarios que la gente tiene acerca del director, así te puedes dar una idea de que clase de trabajo hace. 

3. El género de un film es importante tenerlo en cuenta al momento de escoger la película. Tú eres quien pasaras más de 1 hora frente a la pantalla por lo que debes disfrutar del Film como quien disfruta de una buena cena. 

Día 7: Mario Bava: El Padre del Horror

Hijo del director de fotografía y escultor Eugenio Bava, es fácil adivinar como comienza la relación de Mario con las cámaras, pese a que estudió Bellas Artes y nunca dejó de lado su afición por la pintura. Pronto pasó de cámara a operador jefe, y de aquí a director de fotografía. Su genial uso de la luz y de los efectos especiales, que caracterizaría su obra como director, puede apreciarse en sus trabajos para otros directores como Riccardo Freda o Jaques Tourneur. Precisamente con Freda dió sus primeros pasos como director (a excepción de algunos documentales musicales) rodando algunas escenas de films como I Vampiri, o terminando el rodaje de Caltiki tras el abandono de Freda (lo mismo ocurriría con Tourneur y el film la Batalla del Marathon). En rcompensa, los productores le permitieron dirigir la Máscara del Diablo, pieza mítica en la historia del cine de terror italiano, europeo y mundial; además de servir para el descubrimiento de la no menos mítica Barbara Steele.
El éxito le permite trabajar con gente como Boris Karloff (las Tres Caras del Miedo) o Christopher Lee (Ercole al Centro della Terra) en otros films de género. No obstante, sus siguientes trabajos sirven para iniciar un nuevo género, el giallo. Informalmente se considera Seis Mujeres para el Asesino la primera muestra de esta corriente cinematográfica de la que el propio Bava y su compatriota Dario Argento han sido sus máximos exponentes. No obstante, calificar a Mario Bava como un director de cine de terror sería desconsiderar que a lo largo de su carrera tocó desde el peplum al western. Otro de los clásicos del director fué Bahía de Sangre, en la que sienta las bases del cine de psicópatas que tan popular se haría posteriormente (especialmente evidente es su influencia en la saga Viernes 13).
En sus últimos años abandona el giallo para volver al género de terror y al fantástico. su último film Shock lo rueda gracias a la ayuda de su hijo Lamberto Bava (que también incluría a su padre en el film de Dario Argento Inferno, del que acabaría rodando algunas escenas. La relación entre Lamberto y Argento se consolidaría después cuando el segundo produjese al primero las dos entregas de Demons). Después de Shock solo dirige un proyecto televisivo antes de fallecer de un ataque al corazón.

Día 6: Lucio Fulci

Graduado en al Escuela de Cine Experimental de Roma, donde estudió junto a gente como Luchino Visconti. Con más de 30 años dirigió su primer film. Durante varios años Fulci trabajó todos los géneros, desde el western a la ciencia ficción. Pero fué en el giallo donde logró sus primeros éxitos, en unos momentos en los que directores como Argento o Bava causaban furor en Italia. Pero el gran éxito de Fulci estaba por llegar. Buscando aprovechar la excelente acogida de Zombie, de George A. Romero, Fulci realiza Zombi 2 (en España, Nueva York Bajo el Terror de los Zombies). Con quitarle una "e" al título de Romero era suficiente para que esta falsa secuela arrasase en Italia y otros paises. Sin quererlo, Fulci había creado un "subgénero", lo que ahora llamamos el "spaghetti-zombie". Y es que la idea de Fulci animó a varios productores italianos a estrenar su propia película de muertos.
Por supuesto, el propio Fulci fué uno de los que más aprovechó el tirón, tanto que hoy le conocemos como "el rey del spaguetti zombie". Así vinieron Miedo en la Ciudad de los muertos Vivientes, el Más Allá o Zombie 3. Con muertos vivientes o sin ellos, el cine de Fulci durante los80 se caracterizó por la sangre fácil, estuviese o no justificada por el guión. Títulos como Aquella Casa al Lado del Cementerio o el Destripador de Nueva York se unen a su galería de horrores, gracias también al trabajo de sus colaboradores habituales, como el técnico en efectos especiales Gianetto de Rossi, la actriz Katherine MacColl o el guionista Dardano Sachetti, con el que firmó a medias varios trabajos. Otro de sus colaboradores, como asistente de dirección, fué el después director Michele Soavi.
En 1983 sufre un grave ataque al corazón que le obliga a ser hospitalizado y operado. Después de ese momento, la popularidad del director comienza su descenso. Aunque rueda varias películas, ninguna de ellas alcanzaría el éxito de anteriores trabajos, ni siquiera la secuela de Zombi 2, que tuvo enormes problemas durante el rodaje, que acabaron con la salida del director del proyecto. En 1991 dirige su última película, y desde entonces hasta su muerte se limitó a escribir unos pocos guiones para otros directores.

Día 5: Como disfrutar del horror

En el cine como en cualquier forma o expresión artística, como lo es la literatura, la pintura o la música, existen tipos o géneros que se adaptan según el gusto de cada quien. Una forma de arte como el cine es muy subjetiva, cada quien decide con que género cinematográfico se siente agusto, pero existen personas que no disfrutan el cine en su totalidad. Voy a plantear un ejemplo real, que fue mi caso. 

El cine de horror es uno de los géneros que más atraen al público por el efecto que este provoca. No hay nada mejor que sentarse a ver una buena película tipo Scream o Viernes 13 con una gaseosa y unas críspetas. No todas las personas piensan igual ya que el cine de horror no se hizo para todo público. Mi caso era que yo solía ver el cine de horror en el día y así garantizar una plácida noche y no pensar en los muertos que eran desollados, o en aquella chica que tras ser violada fue torturada por verdugo.  La verdad es que mucha gente pasa noches de pesadilla tras ver escenas grotescas como estas, pero esto se puede manejar. 

Voy a mencionar 3 puntos que debes tener en consideración cuando te dispongas a ver una película de horror: 

1. Sea cual sea la película que te vayas a ver ten presente siempre que es solo una película, que los actores están vivos seguramente están ahora tomándose un capuccino y no saben que tu existes. 

2. Si tú película la vas a ver en tu casa busca un sitio cómodo, si es solo es un ambiente propicio donde puedas encontrar tranquilidad. Si la vas a ver en cine procura sentarte en una silla cerca del pasillo, el lugar donde estés influye de gran manera. 

3. Piensa que tengo el director como el guionista y los actores se rieron y disfrutaron mientras grababan las escenas grotescas, tú disfruta como si fuera comedia. 

Día 4: Las 8 películas de terror olvidadas

Estas son las películas de terror que por alguna razón no consiguieron audiencia. 

1. Ranas (1972)

Director: George McCowan

La adinerada familia Crockett tiene una hermosa plantación en un lago de Florida. El patriarca, Jason (Ray Milland) odia la vida salvaje y ordena a un exterminador rociar pesticidas alrededor de la casa. Es entonces cuando la fauna comienza a contraatacar -no solamente ranas, sino también serpientes, lagartos, pájaros, arañas, sanguijuelas y tortugas. Es terror absurdo con un mensaje: Específicamente, no te metas con la madre naturaleza.

2. Sueño de muerte (1972)

Director: Bob Clark

El soldado estadounidense Andy Brooks (Richard Backus) recibe un disparo y muere en Vietnam. Antes de morir, oye la voz de su madre, recordándole que prometió regresar. Y, finalmente, regresa, pero Andy está cambiado -y pronto la gente cercana a él empieza a morir. Esta película de miedo canadiense es tanto de horror como melancólica, revisitando el cuento clásico de un deseo que sale mal.

3. La muchacha del sendero (1976)

Director: Nicolas Gessner

Rynn Jacobs (Jodie Foster) solo tiene 13 años, pero vive sola -y nadie sabe por qué. Su entrometida arrendadora, Cora Hallett (Alexis Smith) y el repulsivo hijo de ésta, Frank (Martin Sheen), intentan descubrir la verdad, con nefastas consecuencias. Aunque se puede argumentar que es más novela de suspenso que de terror, esta perturbadora película lleva a lugares muy tenebrosos, incluyendo un final especialmente perturbador.

4. Alicia, dulce Alicia (1976)

Director: Alfred Sole

En su primera comunión, Karen (Brooke Shields) es estrangulada hasta morir y su hermana Alicia (Paula Sheppard) es acusada del crimen. La escalofriante y sonriente máscara es de Alicia, pero no está claro quién es el responsable conforme más gente es atacada por un despiadado asesino. La máscara en sí misma hace memorable a "Alicia, dulce Alicia" -con lo cual quiero decir aterradora.

5. Trampa para turistas (1979)

Director: David Schmoeller

Un grupo de amigos en viaje por carretera terminan varados en un museo de cera. La trampa para turistas se convierte en una trampa mortal, cuando son asesinados uno a uno. Y, mientras algunos son convertidos en maniquíes, otros maniquíes cobran vida. "Trampa para turistas" es una de esas extrañas películas de terror que necesitan ser vistas para creerlas. Ten cuidado, las máscaras realmente dan miedo.

6. Cumpleaños sangriento (1981)

Director: Ed Hunt 

El 9 de junio de 1970, tres bebés nacen durante un eclipse en el que el Sol y la Luna tapan a Saturno. Se desarrollan careciendo de sentimientos y 10 años más tarde, los niños empiezan a matar a los adultos cercanos a ellos. Debido a que tienen la apariencia de niños inocentes, nadie sospecha nada de ellos. Aunque la película tiene connotaciones desagradables -los chicos apuntan con armas a los adultos- aun así es una interesante película de miedo.

7. El dormitorio de los crímenes (1982)

Directores: Stephen Carpenter y Jeffrey Obrow

Cuatro estudiantes universitarios se quedan en la escuela durante las vacaciones para limpiar un dormitorio que está programado para ser demolido. Estando allí, son acechados y asesinados por un asesino misterioso. El dormitorio de los crímenes, también conocido como Bromas, es infame por sus secuencias más violentas, lo que le valió la designación de "video desagradable" en el Reino Unido.

8. Jugando a matar (1991)

Director: María Lease

Elliot Wade (Sam Bottoms) se hace cargo de una fábrica mexicana en la que se fabrican las muñecas "Dolly Dearest" mientras las muñecas son poseídas por el antiguo espíritu de un culto Maya. La hija de Elliot, Jessica (Candace Huston) se enamora de una de las muñecas, la cual empieza a controlarla. Hubo un montón de estafas de juegos para niños en esa época, pero este es uno de los más extraños. ¡Y tiene a Rip Torn!

Las 10 películas de horror que debes ver antes de morir

Fuente: 101 Horror Movies You Must See Before You Die (Steven Jay Schneider)

1. El Gabinete del Dr. Caligari (1919 - Alemania)

Uno de los grandes clásicos del cine de terror. Sentado en un banco de un parque, Francis anima a su compañero Alan para que vayan a Holstenwall, una ciudad del norte de Alemania, a ver el espectáculo ambulante del doctor Caligari. Un empleado municipal que le niega al doctor el permiso para actuar, aparece asesinado al día siguiente. Francis y Alan acuden a ver al doctor Caligari y a Cesare, su ayudante sonámbulo, que le anuncia a Alan su porvenir: vivirá hasta el amanecer. 

2. Psicosis (1960 - EEUU)

Marion Crane, una joven secretaria, tras cometer el robo de un dinero en su empresa, huye de la ciudad y, después de conducir durante horas, decide descansar en un pequeño y apartado motel de carretera regentado por un tímido joven llamado Norman Bates, que vive en la casa de al lado con su madre. 

3. Los Pájaros (1963 -  EEUU)

Melanie, una joven rica y snob de la alta sociedad de San Francisco, conoce casualmente en una pajarería al abogado Mitch Brenner. Él, que conoce por la prensa la alocada vida de Melanie, la trata con indiferencia y se va de la tienda dejándola bastante irritada. Ella, que no está acostumbrada a que la traten así, encarga unos periquitos y se presenta en la casa de la madre de Mitch, en Bodega Bay. En cuanto llega, los pájaros, enloquecidos, empiezan a atacar salvajemente a los habitantes del lugar. La situación se agrava a medida que avanzan las horas. 

4. La Semilla del Diablo (1968 - EEUU)

Los Woodhouse, un matrimonio neoyorquino, se mudan a un edificio situado frente a Central Park, sobre el cual, según un amigo, pesa una maldición. Una vez instalados, se hacen amigos de Minnie y Roman Castevet, unos vecinos que los colman de atenciones. Ante la perspectiva de un buen futuro, los Woodhouse deciden tener un hijo; pero, cuando Rosemary se queda embarazada, lo único que recuerda es haber hecho el amor con una extraña criatura que le ha dejado el cuerpo lleno de marcas. Con el paso del tiempo, Rosemary empieza a sospechar que su embarazo no es normal. 

5. El Exorcista (1973 - EEUU) 

Adaptación de la novela de William Peter Blatty que se inspiró en un exorcismo real ocurrido en Washington en 1949. Regan, una niña de doce años, es víctima de fenómenos paranormales como la levitación o la manifestación de una fuerza sobrehumana. Su madre, aterrorizada, tras someter a su hija a múltiples análisis médicos que no ofrecen ningún resultado, acude a un sacerdote con estudios de psiquiatría. Éste, convencido de que el mal no es físico sino espiritual, es decir que se trata de una posesión diabólica, decide practicar un exorcismo. Seguramente la película de terror más popular de todos los tiempos. 

6. Rojo Profundo (1975 - Italia)

Un compositor inglés (Hemmings) presencia en Roma el brutal asesinato de una médium, e inmediatamente trata de localizar al sádico asesino. 

7. Suspiria (1977 - Italia) 

Una joven (Jessica Harper) ingresa en una exclusiva academia de baile la misma noche en que asesinan a una de las alumnas. La subdirectora del centro es la amable Madame Blank, que brinda a la nueva alumna las comodidades y facilidades necesarias para su aprendizaje. Pero, poco a poco, una atmósfera malsana se va apoderando del lugar, y la estancia de la joven se va convirtiendo en una verdadera pesadilla. 

8. Holocausto Canibal (1980 - Italia) 

Cuatro jóvenes documentalistas se adentran en la selva amazónica, en pleno corazón de América del Sur, para realizar un reportaje sobre las tribus que habitan en esa región, de las que se dice que todavía practican el canibalismo. Debido a la desaparición de los reporteros, dos meses después un grupo de rescate es enviado para averiguar qué ha sido de ellos; lo único que encuentran es el material filmado sobre su terrible fin.

9. El Espinazo del Díablo (2001 - España)

Trascurre el año 1939, recién finalizada la guerra civil. Carlos, un niño de diez años, llega a un orfanato que acoge a huérfanos de víctimas republicanas. Su presencia alterará la rutina diaria de un colegio dirigido por Carmen y cuyo profesor, el señor Casares, simpatiza con la perdida causa republicana. Además le acechará el fantasma de uno de los antiguos ocupantes del orfanato.

10. El Orfanato (2007 - México) 

Laura se instala con su familia en el orfanato en el que creció de niña. Su propósito es abrir una residencia para niños discapacitados. El ambiente del viejo caserón despierta la imaginación de su hijo, que empieza a dejarse arrastrar por la fantasía. Los juegos del niño inquietan cada vez más a Laura, que empieza a sospechar que en la casa hay algo que amenaza su familia. 

Día 3: Cine de Explotación

El género que los cinéfilos conocemos como "películas de explotación", y que ha sido rebautizado recientemente con el nombre de "films de culto", fue durante varias décadas una parte de la industria cinematográfica muy poco valorada y aún menos reconocida. Si se utiliza la palabra explotación en términos generales, rápidamente se hace referencia al costado moral de la gente, dando rienda suelta a imaginaciones que van en contra de las normas sociales políticamente establecidas. Pero cinematográficamente hablando, esa misma palabra posee una marcada diferencia de interpretación.

Películas que poseían temáticas consideradas bizarras, como la diversidad de placeres sexuales, abusos de , la drogadicción, prostitución, la vida en la cárcel y otros dramas similares, no eran exhibidas masiva ni comercialmente, justamente debido a los parámetros reinantes por entonces que delimitaban el material, encuadrándolo dentro del buen o el mal gusto.

Para mediados de los años treinta, Hollywood continuaba siendo una máquina de producir películas de elevado costo, pero existían montones de pequeños cines a los que no les era redituable ofrecer grandes títulos que, debido quizás a las características de la zona de exhibición, no eran precisamente el tipo de programas que los lugareños buscaban. Además, nunca había demasiada cantidad de películas buenas que oficiaran de anzuelo para atraer clientes. Cada sala necesitaba más títulos para exhibir y vender, y las superproducciones de los estudios más famosos eran para esa necesidad relativamente escasas, y también más costosas para su adquisición. Los dueños de cines y teatros pequeños podrían aún hacer más dinero ofreciendo programas que brindaran dos películas baratas al precio de una, y más aún aquellos locales con más de una sala.

La respuesta a esta necesidad la brindaría el citado género cinematográfico "de explotación". Dotadas casi siempre de extrema y gratuita violencia, situaciones al límite inusitadas y/o una buena dosis de sexo, estas películas estaban direccionadas a un público específico pero numeroso (y rentable). Y, aunque debieran sortear como pudieran el tema de la censura o los severos códigos de clasificación, el material tenía recepción asegurada.

A los responsables de estas películas poco le importaban los valores morales, sino que se empeñaban en "explotar" de ahí el nombre) al máximo los aspectos de la vida cotidiana menos tratados, y adecuaban la temática a las necesidades del momento. Para ellos, ningún tema era inabordable, y eran increíblemente bien recibidas por las de ahí el nombre) al máximo los aspectos de la vida cotidiana menos tratados, y adecuaban la temática a las necesidades del momento. Para ellos, ningún tema era inabordable, y eran increíblemente bien recibidas por las audiencias que anhelaban ver cosas en la pantalla que seguramente no verían en películas de estudios mayores.

Así, mientras un alto porcentaje de la sociedad de los años '30 y '40 se deleitaba con las comedias de Cary Grant y Katherine Hepburn, o bailaban con Fred Astaire y Ginger Rogers, otra porción un poco menos numerosa acudía a cines específicamente acondicionados también a disfrutar, pero con otros programas. Los "usuarios" receptores de este material sabían cómo pasar una buena hora de su tiempo pagando por ver estas películas, aunque fueran discriminados por su dudoso gusto.

Los mejores exponentes del género no se delimitan justamente en cuestiones de gusto. Son crudas demostraciones de una narrativa a veces vulgar, que no dudaban en mostrar lo que fehacientemente deseaban. Y, lógicamente, este género era exclusividad de la producción clase "B". Aunque vistas hoy la mayoría de estas películas son disfrutables por la gran cantidad de errores que contienen (tomas desastrosas, fotografía oscura, malas actuaciones, pésima continuidad del guión, etcétera), a veces la unión de todos estos factores conforman un todo que, de alguna manera, pegaba en el gusto del espectador eventual y se convertía en un suceso de taquilla inesperado. Y esta unificación disparatada de elementos disímiles parecía transformar al material en algo así como un sueño difícil de creer, y el hecho de no poseer figuras notorias o un background moderadamente conocido les proveía un perfil tipo documental de atractiva calidad.

Al promediar la década del '70 las características y necesidades sociales y económicas hicieron que un alto porcentaje de las salas de barrio se convirtieran en cines dúplex o en multicines. Obviamente, estas salas consumían películas de culto a granel, considerando que la programación variaba casi diariamente. Sumado a esto, la explosión en el mercado del video casero puso en el tapete al cine de explotación como nunca. A partir de allí, el material tendría una vida útil garantizada, a través de su consumismo por medio del video o por la televisión por cable. Y, en formato de videocassettes, podrían incluirse escenas explícitas que obviamente no habían sido excluidas en la versión exhibida en cines, obviamente por cuestiones de censura.

Día 2: Fritz Lang

De los directores de cine más destacados de principios del siglo XX uno de los que más ha captado mi atención ha sido Fritz Lang. Lang nació un 5 de diciembre de 1890 en la Viena del Imperio Austrohungaro , en el seno de una familia perteneciente a la vieja burguesía. Fue un reconocido director de cine alemán 

Durante su juventud realizó estudios de arquitectura complaciendo así la voluntad paterna; pero más tarde se inclinó hacia la pintura, vocación que lo llevó a abandonar el hogar familiar y a emprender una serie de largos viajes. En 1914, con motivo del estallido de la I Guerra Mundial, regresó a Austria, se enroló en el ejército y cayó herido; fue en el hospital militar donde conoció al director de cine Joe May, al que mostró sus dibujos y algunos de sus relatos; éste no dudó en contratarle como guionista.

El primer título de Lang que se llevó a la pantalla fue Die Hochzelt im Exzentrik Klub, obra dirigida por May en 1917 y actualmente desaparecida; el resultado desilusionó notablemente al joven guionista y decidió dirigir él mismo sus propias películas. La primera de ellas que se conserva es Die Spinnen (1919), en la que se percibe ya su desarrollado sentido volumétrico para la composición de imágenes y su sensible talento dramático para el relato. Desde este momento Lang pasó a engrosar y enriquecer las filas del expresionismo alemán.

Durante su etapa en Alemania rodó obras maestras como las dos partes de El doctor Mabuse (Dr. Mabuse der Spieler, 1922; Spione, 1928), las dos partes de Los Nibelungos (Sigfrido y La venganza de Crimilda, 1924), Metrópolis (1927), La mujer en la luna (1931), M, el vampiro de Düsseldorf (1931) y El testamento del doctor Mabuse (1932), películas en las que se repiten los motivos referentes al mundo subterráneo (cuevas, sótanos, galerías), las imágenes desdobladas en espejos y otras visiones ilusorias.

En 1933 huyó de la Alemania de Hitler y buscó refugio en París. Atrás dejó a su esposa, Thea von Harbou, guionista de cine que le había ayudado en la confección de algunas películas y que se había adscrito activamente al movimiento nazi. Una vez en la capital francesa, Lang rodó una adaptación de la obra teatral de Ferenc Molnar Lillom (1934), sin cosechar demasiado éxito. Pasados dos años consiguió trasladarse a Estados Unidos, donde firmó una serie de contratos con la Metro Goldwyn Mayer.

Su etapa americana también dio grandes obras a la cinematografía, en esta ocasión cargadas de crítica social y de reflexiones sobre el individuo y la justicia. De entre ellas cabe destacar Furia (1936), Sólo se vive una vez (1937), La venganza de Frank James (1940), La mujer del cuadro (1944), Los sobornados (1953), Mientras Nueva York duerme (1956) y Más allá de la duda (1957).

Los criterios comerciales impuestos a Lang durante el rodaje de estas dos últimas películas incitaron al artista a abandonar los Estados Unidos en busca de mayor libertad creativa. Una compañía alemana le produjo dos filmes en la India: El tigre de Esnapur y La tumba india (1959). En 1961 dirigió su última película, Los crímenes del doctor Mabuse. La pérdida de la vista le impidió seguir trabajando. Su ingente obra abarcó todos los géneros, excepto la comedia.

Día 1: El Cine en la Propaganda Política

Es muy característico de los gobiernos 

absolutistas es el deseo que querer controlar las mentes de los ciudadanos y una de las herramientas que han demostrado ser más útiles para este cometido, sobre todo en la época de la Segunda Guerra Mundial, es el cine de propaganda. 

Hoy en día este tipo de cine ha perdido todo efecto y sentido, ya que debido a la globalización resulta más complejo poder generar una niebla en la sociedad que impida ver con claridad qué está sucediendo realmente. Pero precisamente esta estratagema se puede observar en 'Los Juegos del Hambre: Sinsajo - Parte 1', película en la que el gobierno totalitario organizado desde el Capitolio por el presidente Snow tratará de frenar la revolución liderada por Katniss mediante todos los recursos a su disposición, siendo el audiovisual uno de ellos.

Actualmente no nos encontramos con un cine ideológicamente tan descarado, con unos objetivos de persuasión tan obvios. Los realizadores no han dejado de lado la crítica política o social, que alcanzó niveles inimaginables en el cine de Berlanga, pero ahora nos encontramos con mensajes más sutiles e integrados en historias que no tienen una intención tan deliberada de exaltar ciertos valores o de lavar el cerebro de la gente. 

Entre los grandes filmes que existen como ejemplo de la propaganda política que se implementó tenemos El Acorazado de Potemkin (1925) de Sergei M. Eisenstein que exaltó la Revolución Rusa de 1905. Otro ejemplo cinematográfico que contiene propaganda es El Triunfo de la Voluntad (1935) de Leni Riefenstahl,  quien a encargo del propio Hitler, rodó un documental utilizando como escenario el mitin del partido nazi que tuvo lugar en Nuremberg en 1934. Otro film fue Tierra de España (1937) que se rodó durante la Guerra Civil. El Bando Republicano que era quienes tenía los medios necesarios para tratar de convencer a la sociedad a partir del cine de que eran ellos los que debían imponerse, llegando a proyectarse la película en la Casa Blanca para tratar de obtener el apoyo de Roosevelt.

En 1940 se estrena El judío Suss, que fue considerada antisemita por excelencia. Es uno de los ejemplos del esfuerzo de Goebbels y Hitler por intimidar y aterrar a la población, tratando de demonizar a los judíos, justificando así los deplorables actos llevados a cabo durante la estancia de Hitler en el poder. 

Maratón de Cine de El Pabellón

¿Alguna vez has sentido que no has disfrutado del cine como quisieras? Hay momentos en que pagamos un boleto de cine y sentimos que hemos perdido nuestro dinero. Apoyar el arte cinematográfico no es solo ir a cine tantas veces como puedas, sino que se trata de disfrutar de una buena producción cinematográfica que no tiene que ser necesariamente de un director reconocido por sus múltiples efectos de sonido y de imagen, sino que sea de un director reconocido por dar buen cine. El buen cine es como una hermosa pintura o un buen libro, debe escogerse de acuerdo al gusto de cada individuo. Hay tantos géneros cinematográficos como personas en el planeta, este es el 7º Arte, el arte del audio y el vídeo combinados. 

A partir de hoy durante 10 día  te voy a regalar un mes dedicado al Cine, para que conozcas más de las buenas producciones y de algunos tips para que no te sientas estafad@ al momento de pagar un boleto de cine. También El Pabellón del Enigma te hará sugerencias acerca de qué película no comercial puedes ver o cuál es la película de horror  indicada para ver un viernes o un sábado por la noche. 

 

Fritz Lang: el padre del expresionismo alemán

Muchos directores entre ellos Tim Burton y el italiano Dario Argento han inspirado muchos de sus films es una corriente cinematográfica que le dio un sentido diferente a la industria cinematográfica. Fritz Lang fue el precursor de este movimiento, el 

Cine Expresionista Alemán con su film El Gabinete del Dr. Caligari. 

Fritz Lang nacio en Viena en el año de 1890, y se destacó como  Director de cine en Alemania. Durante su juventud realizó estudios de arquitectura complaciendo así la voluntad paterna; pero más tarde se inclinó hacia la pintura, vocación que lo llevó a abandonar el hogar familiar y a emprender una serie de largos viajes. 

En el año de 1914, con motivo del estallido de la I Guerra Mundial, regresó a Austria, se enroló en el ejército y cayó herido; fue en el hospital militar donde conoció al director de cine Joe May, al que mostró sus dibujos y algunos de sus relatos; quien no dudó en contratarle como guionista.

El primer título de Lang que se llevó a la pantalla fue Die Hochzelt im Exzentrik Klub, obra dirigida por May en 1917 y actualmente desaparecida; el resultado desilusionó notablemente al joven guionista y decidió dirigir él mismo sus propias películas. La primera de ellas que se conserva es Die Spinnen(1919), en la que se percibe ya su desarrollado sentido volumétrico para la composición de imágenes y su sensible talento dramático para el relato. 

En 1920,  Lang pasó a engrosar y enriquecer las filas del expresionismo alemán con El Gabinete del Doctor Caligari, que mas tarde en 1977 inspiraria al director italiano Dario Argento en su film Suspiria basado en la obra Suspiria De Profundis de Thomas De Quincey. 

Durante su etapa en Alemania rodó obras maestras como las dos partes de El doctor Mabuse (Dr. Mabuse der Spieler, 1922; Spione, 1928), las dos partes de Los Nibelungos (Sigfrido y La venganza de Crimilda, 1924), Metrópolis (1927), La mujer en la luna(1931), M, el vampiro de Düsseldorf(1931) y El testamento del doctor Mabuse (1932), películas en las que se repiten los motivos referentes al mundo subterráneo (cuevas, sótanos, galerías), las imágenes desdobladas en espejos y otras visiones ilusorias.

En 1933 huyó de la Alemania de Nazi y buscó refugio en París, dejando atras a su esposa, Thea von Harbou, guionista de cine que le había ayudado en la realizacion de algunas películas y que se había adscrito activamente al movimiento nazi. Una vez en la capital francesa, Lang rodó una adaptación de la obra teatral de Ferenc Molnar Lillom(1934), sin cosechar demasiado éxito. Pasados dos años consiguió trasladarse a Estados Unidos, donde firmó una serie de contratos con la Metro Goldwyn Mayer. 

Su etapa americana también dio grandes obras a la cinematografía, en esta ocasión cargadas de crítica social y de reflexiones sobre el individuo y la justicia. De entre ellas cabe destacar Furia (1936), Sólo se vive una vez(1937), La venganza de Frank James(1940), La mujer del cuadro (1944), Los sobornados (1953), Mientras Nueva York duerme (1956) y Más allá de la duda (1957). 

Los criterios comerciales impuestos a Lang durante el rodaje de estas dos últimas películas incitaron al artista a abandonar los Estados Unidos en busca de mayor libertad creativa. Una compañía alemana le produjo dos filmes en la India: El tigre de Esnapur y La tumba india (1959). En 1961 dirigió su última película, Los crímenes del doctor Mabuse. La pérdida de la vista le impidió seguir trabajando. Su ingente obra abarcó todos los géneros, excepto la comedia.

Análisis del Terror

Hoy es el día para hablar del cine de horror, ya que es "la emoción más antigua y por supuesto la más intensa de la humanidad es el miedo, y el más antiguo e intenso de los miedos es precisamente el miedo a lo desconocido" (Supernatural Horror in Literature, Lovecraft). Lo desconocido que es lo que atenta contra el concepto de lo cotidiano, contra aquello que nos resulta familiar. Aquello que hace más fuerte lo desconocido es lo que a enriquecido las diferentes artes en su intento de reflejar los fantasmas, vampiros, hombres-lobo, etc, que la mente humana rechaza por considerarlo antinatural y en ocasiones natural como el caso de la muerte, y es a partir de este horror colectivo respecto a todo aquello que escapa a los límites de la razón consciente, las expresiones literarias y audiovisuales han creado en las diferentes épocas  imágenes deformadas de esa cotidianidad y de esa rutina en la que vivimos los seres humanos. Muchos han sido los estudiosos que han coincidido en que el cine como medio artístico es el que mejor representa lo horrible y lo terrorífico, que termina siendo el encuentro del espectador con el reflejo de su propio inconsciente reprimido. 

Sin duda alguna, el cine ha estado íntimamente relacionado con las sensaciones de terror prácticamente desde sus inicios, partiendo de una película tan sencilla como La Llegada del Tren (1895)  de los hermanos Lumière, que provocó en sus primeros espectadores parisinos un miedo que los forzó a abandonar la sala de cine. El cine de horror al igual que los otros géneros es un lienzo virgen que espera a ser pintado, pero en la paleta de colores del cine de horror hay muchas más opciones y formas que le dan al director y al guionista un amplio abanico de posibilidades infinitas. El cine de horror, quizás igual que el cine de comedia se puede medir por la intensidad de sus efectos en el público y eso es lo que ha conseguido con ciertas películas que han pasado a la historia como inmortales. Fueron muchos, y de todo el mundo, los cineastas que se movieron en el mundo de lo grotesco, de las imágenes que para la vista del espectador eran una sinfonía de sangre que hacia agitar el corazón de la adrenalina en algunos casos y del miedo en otros. Ejemplos tenemos en la década de los 60's hasta los 70's a Herschell Gordon Lewis con Color Me Blood Red o 2000 maniacos, o quizás George A Romero con La Matanza en Texas, en donde los actos de barbarie eran mostrados en este lado del mundo sin tapujos, una verdadera carnicería mejor conocida como Cine Gore, que hace una extinción enfática y retorcida de la violencia. Partiendo de este pequeño análisis en torno al mundo del cine de terror me dispongo a mencionar algunas películas claves en el cine de terror moderno:

1968, La noche de los muertos vivientes de George A Romero, quien renovó con su cruda ópera prima del cine de muertos vivientes, poniendo a la moda las películas de zombis y marcó un antes y un después en el género. 

1968, La Semilla del Diablo (Rosemary's Baby), de Román Polanski, se trata de un thriller psicológico que combino lo paranormal con la paranoia.

1972, La Ultima casa a la Izquierda se Wes Craven, se trata de una verdadera muestra de la violencia en su versión más retorcida y grotesca

1976, Carrie de Brian de Palma, esta inspirada en la novela homónima de Stephen King, que recrea en toda su intensidad una historia brutal de incomprensión, humillación y consecuentes venganza. 

1976, ¿Quién puede matar a un niño?, de Narciso Ibáñez Serrador, mezcla en esta historia la inocencia infantil con la crueldad que proviene de ellos, haciendo de este film una verdadera pesadilla adulta. 

En cuanto al cine Giallo, no podemos obviar a Suspiria del director Darío Argento, en donde hace una magnífica fusión entre la belleza y el horror, inspirándose en el expresionismo alemán que en su momento Fritz Lang reflejo en su film El Gabinete del Doctor Caligari en 1920 y Metrópolis en 1927. Suspiria sin duda alguna se centra en el arte de matar en donde Argento se inspiró en los asesinatos que el mismo manejo en L'Uccello dalle piume di cristallo (Los Pájaros de las plumas de cristal) en 1970 y aplicarlos con más fuerza en los crímenes de la primera entrega de Las Tres Madres. 

1980, Holocausto Canibal de Ruggero Deodato, se trata de una coproducción Italo-colombiana, en donde hay una vertiente de Gore que muestra de una forma explícita secuencia de una violencia extrema y retorcida, cuyo objetivo es que el espectador crea que está ante una snuff movie (hace pasar imágenes de ficción como si fuesen reales).

 1982, Poltergeist de Tobe Hooper, este film significó un antes y un después en el cine de horror puesto que entre su primera y su última entrega se desató una especie de maleficio que acabó con la vida de la Pequeña Heather O'Rourke y Dominique Dunne.  

Es importante mencionar que el cine de horror atrae a una gran cantidad de público sediento de miedo pero a su vez de adrenalina, y ese el básicamente el objetivo de aquellos que lo crean. 

La Voz de la Naturaleza: La historia de Mirco Mencacci

Cada hombre tiene su propio modo de ver, su lente personal. Algunos vemos con los ojos, otros con las manos, otros con los oídos.

En muchas ocasiones la vista no es suficiente para apreciar la naturaleza que tiene su propia voz. ¿Porqué usar un solo sentido cuando tenemos más? Mirco Mencacci es uno de los más talentosos y reconocidos editores de sonido de cine del mundo, siendo muy niño era ya un apasionado por las películas de vaqueros y aventuras. A raíz de un accidente, su feliz vida cambia cuando, jugando con un viejo rifle, es herido de bala en la cabeza y, aunque salva su vida, pierde la vista. La legislación italiana durante la década de los 70's consideraba a los ciegos seres discapacitados y no les permitían ingresar a escuelas públicas, por lo que la única solución que planteaba el sistema para su educación era la asistencia a un internado con niños con ceguera, los cuales recibían clases especialmente pensadas para su condición y los formaban en uno o dos oficios. Se consideraba que sólo podían ser útiles como operadores de teléfonos o tejedores. Se los apartaba de su familia y la escuela tenía una fuerte impronta religiosa

Entonces su existencia dará un giro cuando halla una vieja grabadora de cinta y descubre que empalmándola puede crear cuentos de hadas sólo a partir de los sonidos. Tanto para Mirco como para los demás chicos las cintas repletas de sonido, poesía y magia que transforman sus oscuras existencias donde los sonidos son protagonistas, en donde en una secuencia de sonidos donde pasa del invierno hasta el verano quedan grabadas con coloridas tonalidades en aquella vieja grabadora lo cual sería el punto de apoyo que le permitirá a Mirco hallar, con el paso del tiempo, su oficio de sonidista en numerosas producciones italianas.

El director italiano, Cristiano Bortone, en su película, Rojo como el cielo (Rosso come il Cielo) nos muestra niños llenos de vida y de creatividad, además se observa lo negativo de su exclusión, la necesidad de participar de entornos de la comunidad, de compartir con niños de su edad que tenga la capacidad de ver y el positivo intercambio que se produce cuando se ponen en juego valores como la solidaridad.

La discapacidad de Mirco es una condición de vida y no una fatalidad y que las adecuadas experiencias escolares acordes a sus inquietudes, son las que le permitirán descubrir su verdadera vocación.